Великие итальянские художники - гении человечества. Великие итальянские художники - гении человечества Другие известные художники Италии

Сколько миров на Земле? Столько же, сколько людей. Потому что каждый творит собственный мир. Как это происходит? Нас с детства неумолимо тянет в сторону фантазии, сказки. Чтобы ощутить эту жизнь во всей полноте. Мир кажется не то чтобы скучным, а недовоплощенным. И когда мы разрешаем себе творить - появляется новый мир.

Чему нас учит опыт художника? Первое - рисуй, если тебе хочется рисовать! Если это твой способ выразить то, что тебя волнует. Второе - изображай свою жизнь, рассказывай линией, цветом, вспоминай детали, попытайся передать весь «театр своей памяти». Третье - если нет альбома и кистей, бери простую тетрадь, набор детских карандашей, шариковую ручку, наконец, и - в путь.

Наша жизнь - произведение искусства. Даже если мы не пишем и не рисуем, мы все равно творим.

Еще в книге

Если понять, что жизнь - это творчество, что каждое мгновение освещено энергией творения, тогда осознание этого приведет к пробуждению вашего таланта, а потом и гениальности. Как когда-то в детстве, все будет по силам - и рисовать, и петь, и танцевать, создавать свой мир, все было тогда возможно - даже летать!

Эта трогательная, добрая книга поможет обрести и развить свое творческое «я». Из нее вы узнаете:

• как создавать художественные проекты
• что такое шкаф с сокровищами
• о тонкостях карикатурного рисования
• как удержать драконов на картине
• советы по леттерингу и каллиграфии
• почему так дорого стоит «черный квадрат»
• кто такие даблоиды, кто живет в хоботе слона и тайная жизнь водолазов
• о рисовании картин с помощью ветра

…340 страниц вдохновения, метафор, историй, которые разговаривают с вашим внутренним художником.

Не бойтесь своего таланта. Откройте свое неповторимое «Я» и поверьте в себя! В один прекрасный день ваши миры обретут самостоятельность и, словно радужные пузыри, полетят над землей и заживут своей жизнью.

P.S.: Подписывайтесь на нашу рассылку по творческим книгам, чтобы каждую неделю получать самые вкусные отрывки, первыми узнавать о скидках, участвовать в творческих челенджах.

Италия - дивный благословенный край, подаривший миру огромную галерею бесценных творений искусства. Итальянские художники - это великие мастера живописи и ваяния, признанные во всем мире. Ни одна страна не может сравниться с Италией по количеству известных живописцев. Почему так - не в наших силах это понять! Но зато мы можем еще раз вспомнить имена великих мастеров, эпоху, в которую они жили, и удивительные картины, вышедшие в мир из-под их кисти. Итак, давайте начнем виртуальную экскурсию в мир прекрасного и заглянем в Италию времен эпохи Возрождения.

Художники Италии эпохи Проторенессанса

В Италии XIV века появляются живописцы-новаторы, которые стали искать новые творческие приемы (Джотто ди Бондоне, Чимабуэ, Никколо Пизано, Арнольфо ди Камбио, Симоне Мартине). Их творчество стало предвозвестником грядущего рождения титанов мирового искусства. Самым именитым из названных мастеров живописи, пожалуй, является Джотто, которого можно назвать настоящим реформатором итальянской живописи. Его самая знаменитая картина - "Поцелуй Иуды".

Итальянские художники раннего Возрождения

Вслед за Джотто пришли такие живописцы, как Сандро Боттичелли, Мазаччо, Донателло, Филиппо Брунеллески, Филиппо Липпи, Джовани Беллини, Лука Синьорели, Андреа Мантенья, Карло Кривелли. Все они явили миру прекрасные картины, которые можно увидеть во многих современных музеях. Все они - итальянские великие художники раннего Возрождения, и о творчестве каждого из них можно говорить очень долго. Но в рамках данной статьи мы коснемся подробнее только того, чье имя наиболее на слуху - непревзойденного Сандро Боттичелли.

Вот названия самых знаменитых его полотен: "Рождение Венеры", "Весна", "Портрет "Портрет Джулиано Медичи", "Венера и Марс", "Мадонна Магнификат". Этот мастер жил и творил во Флоренции с 1446 г. по 1510 г. Боттичелли был придворным художником семьи Медичи, именно этим обуславливается тот факт, что его творческое наследие изобилует не только картинами на религиозные сюжеты (таких в его творчестве было немало), но и множеством образцов светской живописи.

Художники Высокого Возрождения

Эпоха Высокого Возрождения - конец XV и начало XVI века - время, когда создавали свои шедевры такие итальянские художники, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Тициан, Джорджоне… Какие имена, какие гении!

Особенно впечатляет наследие великой троицы - Микеланджело, Рафаэля и да Винчи. Их картины хранятся в лучших музеях мира, их творческое наследие восторгает и приводит в трепет. Наверное, в цивилизованном современном мире не существует такого человека, который бы не знал, как выглядит "Портрет госпожи Лизы Джокондо" кисти великого Леонардо, Рафаэля или прекрасная мраморная статуя Давида, созданная руками неистового Микеланджело.

Итальянские мастера живописи и скульптуры эпохи позднего Возрождения

Позднее Возрождение (середина XVI века) подарило миру немало прекрасных живописцев и скульпторов. Вот их имена и краткий перечень самых известных работ: (статуя Персея с головой Паоло Веронезе (картины "Триумф Венеры, "Ариадна и Вакх", "Марс и Венера" и др.), Тинторетто (картины "Христос перед Пилатом, "Чудо св. Марка" и др.), Андреа Палладио-архитектор (вилла "Ротонда"), Пармиджанино ("Мадонна с младенцем в руках"), Якопо Понтормо ("Портрет дамы с корзиночкой для пряжи"). И хотя все эти итальянские художники творили во времена заката Ренессанса, их работы вошли в золотой фонд мирового искусства.

Эпоха Возрождения стала уникальным и неповторимым периодом в жизни человечества. Отныне никогда и никому не удастся разгадать тайны мастерства тех великих итальянцев или хотя бы приблизиться к их пониманию красоты и гармонии мира и умению при помощи красок переносить совершенство на холст.

Другие известные художники Италии

После окончания эпохи Возрождения солнечная Италия продолжала дарить человечеству талантливых мастеров искусства. Нельзя не упомянуть имена таких известных творцов, как братья Караччи - Агостино и Аннибале (конец XVI века), Караваджо (XVII век) или Никола Пуссен, живший в XVII веке в Италии.

И в наши дни творческая жизнь не затихает на Апеннинском полуострове, правда, итальянские современные художники пока не дотягивают до того уровня мастерства и славы, которая была у их гениальных предшественников. Но, как знать, возможно впереди нас вновь ждет Возрождение, и тогда Италия сможет явить миру новых титанов искусства.

Этого художника можно было узнать по одной черте. Просто по чёрной
черте, проведённой по стене в коридоре.
К. Сапгир

Прекрасен Левитан. Неповторимы Коровин, Репин, Суриков… Но лишь познакомившись с творчеством художника Анатолия Зверева, увидев в документальном фильме и почитав в воспоминаниях, как он работает, я поняла, что такое гений.

Анатолия Зверева можно назвать нашим современником (1931-1986). Но многие ли из людей, не связанных с искусством, знают это имя. А ведь вся жизнь его – легенда.

Всемирно известный музыкант В. Варшавский стоял за спиной Анатолия Зверева с подносом водки, в то время как художник, огрызаясь и стряхивая с себя чертей, рисовал его дочку и жену.
Профессор Пинский, знавший наизусть Шекспира в подлиннике, робко прислушивался, что скажет Зверев о звучности русского перевода.
Отдельная история - его любовь к Оксане (Ксении) Асеевой (Синяковой), вдове поэта Николая Асеева, близкой подруге Маяковского, Есенина, звезде Серебряного века. Кто не знал сестер Синяковых!

Куда там Пугачёвой с Галкиным! Анатолий Зверев был моложе своей любимой женщины в два раза! Когда они познакомились, ему было 37, а ей – 76!!! Их любовь была нереальной и легендарной – о ней слагали мифы в богемных кругах…

А вот такие экспромты он писал ей:

Упавший лист (златою-непогодою);
- Я – негодую - и – томлюсь душой – своей; -
Что - вам – угодно? – лист спросил –
Дубовый, - и я ответил: «Думаю…
О – Ней!»

Лучшее – это: ... ветер и - «зной»,
Что – «со-мною» … в цвете - «сини»;…
Это листья-осенние … «наперебой»;…
Песнь поют «Есенина»…
Про Асееву – Оксану – весеннюю,
Что лежит «сырой-травой», …
И «не отравой» - дерева-«зверева».

Родившийся в крестьянской семье, Анатолий Тимофеевич Зверев с детства поражал своими рисунками окружающих. Не закончив полный курс средней школы, обладал абсолютной грамотностью. Жил, совершенно не заботясь о своём благополучии. Работы продавал за гроши. Не раз привлекался властями за тунеядство. Пил безбожно. Скитался по московским квартирам друзей и знакомых, в тёплую погоду мог вообще расположиться на бульваре. Своей мастерской у него не было. Где рисовал картины, там их и оставлял. То есть был не от мира сего. «Отщепенец, недоучка, маляр, годный лишь на покраску забора», - по мнению официальных художников. Анатолий Зверев ценил свободу больше всего на свете и никогда ей не изменял.

Создал десятки тысяч работ, которые находятся в Третьяковке, лучших музеях мира, частных коллекциях Парижа, Лондона, Рима, Вашингтона и т.д. Несколько тысяч его работ сгорели при пожаре на даче Г. Костаки, друга художника и знаменитого коллекционера, открывателя и спасителя богатейшего наследия русских художников-авангардистов, который и сам легенда. Портрет его дочери перед вами. Но репродукция не может передать всей прелести этой работы, каждый сантиметр которой источает чувственность и страсть!

Именно об Анатолии Звереве сказал Фальк: «Каждое прикосновение его кисти драгоценно».
Именно о нем так отозвался Пикассо: «Это лучший русский рисовальщик».
Всего лишь несколько взмахов кисти – и Сикейрос присуждает Звереву высшую награду на художественном конкурсе в рамках международного фестиваля молодёжи в Москве в 1957 году.
В 1959 году репродукции картин Анатолия Зверева помещают известнейшие американские журналы, а музей современного искусства Нью-Йорка приобретает три акварели.
В 1965 году организованы персональные выставки в Париже и Женеве. Другие наши художники и мечтать об этом в то время не могли.
При попытке вывезти его работы за границу чиновники говорили: «Любые другие авторы, только не Зверев. Его картины за границу не выпускаются».
Вывозились. По дипломатическим каналам.

За полтора часа он мог написать 20-30 работ! Сотни рисунков тушью, иллюстрации к «Золотому ослу» Апулея, были выполнены за одну ночь.
Рисовал всем, что попадется под руку: не было красок-карандашей – куском свёклы, земли, зубной пастой, окурками и т.д. По воспоминаниям, «рисует пеплом, помидорами, вином, разливая краску по стенам и паркетам, зрителям и моделям, создавая портреты, не будучи в состоянии подняться с пола».
Картину, начатую красками, мог завершить зубным порошком!
Или вот ещё.
«Красивая девушка неподвижно сидит в кресле, позируя. И зря она старается не шелохнуться. Художник за время сеанса ни разу не взглянул на неё. С искажённым от напряжения лицом он из баночки льёт на бумагу краску, лихорадочно размазывает её ватой, процарапывает линии ногтями. Портрет готов».

Тихо живут себе Алла Борисовна с Максимом в грязи своей, а у Анатолия Зверева и Оксаны Асеевой были такие страсти!
Овдовевшая Оксана жила в, в доме, обшитом мемориальными досками. Её неотразимое обаяние не поддавалось времени, она зажгла в сердце художника Зверева самую безумную любовь. Он страдал, ревновал, устраивал грандиозные погромы в элитной квартире соратника Маяковского, вышвыривая тома всех советских классиков в окно. Срывал фотографии, испепеляя ненавистное имя мертвого соперника.
Оксана Михайловна пугалась приступов зверевского гнева до шока, но когда осмеливалась запираться на ключ и не впускать его, он с мясом отрывал дубовую дверь добротной писательской квартиры и она летела в лестничный пролет. Его экспрессивные дебоши были публичны и артистичны, его не стесняли элитарные соседи Оксаны Асеевой, и они не стеснялись вызывать милицию.
В таких ситуациях Оксана Михайловна волновалась чрезвычайно. Когда стражи порядка, два “дяди Фёдора”, паковали буяна в лифт, вдова поэта провожала их с мольбой и слезами в глазах, заламывая руки:
“ Товарищи милицьонэры, будьте с ним осторожней. Он великий русский художник, не делайте, пожалуйста, ему больно. Пожалуйста, берегите его руки!” Менты сочувственно улыбались милой старушке.
А он рисовал и рисовал ее лицо… Их отношения продолжались до самой кончины Асеевой в 1985 году. Он очень тосковал о ней и через год умер сам.

Собственно, из-за его поэтического творчества я и пишу эту статью, т.к. в очередной раз убеждаюсь, что талантливый человек талантлив во всём.
Познакомьтесь с некоторыми из них и вы. Автор, повторяю, не только «академиев не кончал», но и не закончил десятилетки.

Серо-сиреневый
Тёмный и грустный
Знает Лермонтова
Поэзию устно
И в кустах сирени
Тёмные очи гадалки
Глядели …

Лермонтов
(из автобиографии в стихах)

Вне всяких сомнений
- Мне гений
Юрьевича нужен …

И вот, под - «ужин» -
Явился он со своею
«Дюжиной»
Стихов, -
Поэм и всяческих
«Стихий».

Своих всех повестей:
«Вадим» - (ну, погодим)
- Блондин –
- Брюнет –
- (Сонет ли это, нет?)
- ПОЭТ!..

«Герой нашего времени « -
И я «забеременел»
Поэзией
Сразу, -
«с-глазу-на-глаз»
- И враз: -
Быстро, страстно
И откровенно –
И «верно» -
До степени –
Веры в торжество
Господа – Бога!..

Маленький
выпачканный
жалкий
слабый
и горбат
и тёмен
весь осморканный
запачканный
и вялый
изнурённый
голоден
больной
истощён
избит
и проклят
изнасилован
и туп
точно труп живой
что тень забора
забран
выброшен
измучен он
бродит
спит не спит
и хнычет что-то
тихо шевелит губа его
смотрит странно улыбаясь
алкоголиком зовут его
тенью слабою скользящей
мимо полных и изящных
мимо ящиков пустых
он проходит
Бог прости

Использованная литература:
книга «Анатолий Зверев в воспоминаниях современников».
Прочла, скупила остаток тиража в «Молодой гвардии» и раздарила друзьям-приятелям.

Адольф-Вильям Бугро (Бугеро) (1825-1905) - один из самых талантливейших французских художников 19 века, крупнейший представитель салонного академизма, написавший более 800 полотен. Но так вышло, что его имя и гениальное художественное наследие подверглись жесточайшей критике и почти на целый век были преданы забвению.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0002.jpg" alt="«Женщина из Червара и ее ребенок». Автор: William Bouguereau." title="«Женщина из Червара и ее ребенок».

Одаренность будущего художника в полной мере проявилась еще в начальной школе: все его тетрадки были буквально изрисованы рисунками и различными набросками. Но из-за финансовых проблем в семье совсем юный Вильям был отдан на попечение 27-летнему дяде Южену, который привил юному дарованию интерес к философии, литературе, мифологии и религии.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0033.jpg" alt="Юный Иоанн Креститель. Автор: Адольф Вильям Бугро." title="Юный Иоанн Креститель.

Вскоре мечта сбылась, и Вильям Бугро стал одним из лучших учеников этой школы. Стремясь дополнительно познать как можно больше о своей будущей профессии, он занимается на курсах по истории костюма, изучает археологию и принимает участие в анатомических вскрытиях.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0028.jpg" alt="«Итальянский мальчик с куском хлеба». Автор: William Bouguereau." title="«Итальянский мальчик с куском хлеба».

А когда живописец вернулся в Париж, его популярность уже не знала границ.
Над своими творениями Бугро работал, не покладая рук. Он с раннего утра приходил в свою мастерскую, а домой уходил за полночь. Как и всем великим художникам, ему было присуще постоянное недовольство собой и неуемное стремление к совершенству. За это современники дали ему прозвище «Сизиф 19-го века».

А еще талантливого живописца сравнивали с Рембрандтом. Говорили, что "Рембрандт уловил душу старости, в то время как Бугро уловил душу юности." Безукоризненное знание анатомии человеческого тела, скрупулезная деталировка, удивительно подобранная цветовая гамма - все это делало полотна Вильяма Бугро необыкновенно реалистичными.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0003.jpg" alt="«Дева утешения». (1877). Автор: William Bouguereau." title="«Дева утешения». (1877).

И чтобы как-то забыть об тяжкой утрате, художник полностью посвятил себя работе. Он писал портреты и картины на исторические, мифологические, библейские и аллегорические сюжеты, где преобладала нагота женских тел и праздность, которые у многих вызывали недовольство.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0004.jpg" alt="«Ореады».

Но Бугро продолжал писать в своей манере, и когда в искусство стремительно начали вливаться новые модные течения и направления, он их не принял и всем своим творчеством противостоял им.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-00113.jpg" alt="Элизабет Гарднер - вторая жена художника. (1879). Автор: William Bouguereau." title="Элизабет Гарднер - вторая жена художника. (1879).

Смерть сына полностью подкосила здоровье мастера. А угнетенное настроение, накопившаяся усталость, безмерное пристрастие к алкоголю и курению пагубно сказалось на его сердце. И в 79-летнем возрасте гениального живописца не стало.

Забвение и триумфальное возвращение

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-00115.jpg" alt="Данте и Вергилий в аду. (1850). Автор: William Bouguereau." title="Данте и Вергилий в аду. (1850).

Почти на целое столетие его имя и художественное наследие оказались в забвении, и лишь в критической литературе можно было встретить негативное упоминание о Вильяме Бугро как о живописце жанра ню. Его картины, отправленные в запасники музеев, все эти годы хранились в сырых подвальных помещениях и на чердаках.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/bugro-0017.jpg" alt="«Прелестная ноша».

В 1984 году при поддержке Монреальского музея изящных искусств в Париже была организована первая ретроспективная выставка гениального живописца.
С большим трудом ее организаторам удалось собрать и привести в презентабельный вид наследие Вильяма Бугро. Множество творений пришлось реставрировать, так как прошел почти целый век, а помещения, в которых они хранились, совсем не соответствовали спецхранилищам.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/219412167.jpg" alt="«Молитва».

При первых аукционных продажах в 1977 году стоимость картин Вильяма Бугро не превышала 10 тысяч долларов, но уже в 1999 году всего лишь одно полотно "Амур и Психея" было продано на аукционе Christie’s за 1,76 миллиона долларов. Ну а к 2005 году стоимость его работ превысила отметку в 23 миллиона долларов. Это было воистину триумфальным возвращением гениального художника.

Говорили, что роль городского сумасшедшего он играл. Играл для того, чтобы выжить и не попасть под каток репрессий. Свои работы он при жизни не продавал, дарил детям и говорил, что писал для будущего зрителя.

Художник выработал свой собственный оригинальный стиль живописи, иногда его называют «фантастическим экспрессионизмом». Сейчас его полотна оцениваются в - 15 000-26 000 долларов.

Словно факир, волшебник и маг он из обычных вещей легко мог создать настоящее чудо. Его декорации к спектаклям в театре им. Абая в Алма-Ате превращали обычное местное представление в необыкновенное по яркости шоу и зрители всегда с нетерпением ждали появления его новых работ. Вся его жизнь - это театр, и художник щедро декорировал ее всеми доступными его разуму средствами.

Без этого человека сложно представить Алма-Ату 40-60-х годов. Гуляя по городу в странных, нелепых нарядах, он был неотъемлемой частью столицы. Гениальный художник или городской сумасшедший? Знаменитый алмаатинец Сергей Калмыков был фигурой неоднозначной и противоречивой. Но тем не менее именно его картины сейчас украшают музеи многих городов.

К Калмыкову привыкли — к его самодельным брюкам с разноцветными штанинами, к его алому берету, к его фантастической кофте с привязанными к ней порожними, бренчащими при ходьбе консервными банками. С течением времени он сделался уникальной частью алма-атинского городского пейзажа, наподобие птички-колибри в сибирской тайге. Он не без иронии называл себя "последним авангардистом первого призыва"... ведь он и в самом деле оказался чуть ли не единственным представителем блестящей культуры Серебряного века, чудом дожившим аж до хрущевской оттепели.

1896 год, семья. Подпись на обороте: «Мои папа, мама, Леля, Шура! Ваня и я, самый маленький. Я помню, как нас снимали. Мы с Ваней были в красных шелковых рубашечках. Шура гимназист!».

Сергей Иванович Калмыков родился в 1891 году в Самарканде. Вскоре его семья переехала в Оренбург, здесь Сережа Калмыков учился в гимназии, затем в школе живописи, ваяния и зодчества. В молодости он был замкнутым, малообщительным человеком. В 1910 году он уехал в Петербург и в течение 4 лет посещал школу В.Н. Званцевой, где преподавали такие известные художники, как Добужинский, Петров-Водкин, Бакст.

Именно тогда двадцатилетний юноша создал удивительную картину «Купание красных коней». Петров-Водкин высоко оценил работу ученика, сказав о нем: «он точно молодой японец, только что научившийся рисовать».

А год спустя Кузьма Петров-Водкин сам написал своего знаменитого «Красного коня», ставшего символом русского авангарда. По этому поводу Калмыков вспоминал: «Похожий на японца желтый мальчик, что сидит на красном коне - это я. Только ноги у меня не такие короткие. Это Петров-Водкин писал с нижнего ракурса. У меня ноги подлиннее будут».

Возвратившись в Оренбург, Калмыков много работал, после Октябрьской революции стал одним из самых активных оренбургских художников. Он участвовал в оформлении революционных праздников, общественных зданий, читал лекции. Его живописные, графические и скульптурные работы привлекали внимание общественности. В 20-х годах Калмыков принял участие в художественном оформлении спектаклей Оренбургского театра и цирка, в разработке эскизов театральных костюмов и афиш. В то время он много ездил со Средневолжской передвижной оперой как главный художник, тогда же Калмыков определился как художник-декоратор и решил связать свою творческую жизнь с театром.

три грации

В 1935 году Калмыкова приглашают в Казахстан для работы в только что созданном музыкальном театре (ныне ГАТОБ им. Абая). Здесь он самостоятельно оформил оперы «Аида», «Князь Игорь», «Фауст», «Флория Тоска» и другие.

«Казахстанская правда» от 30 октября 1935 года писала о спектакле «Князь Игорь»: «Художники Калмыков и Михеев удачно разрешили оформление сцены, заслуженно вызвав аплодисменты зрителей. Написанные в приятных тонах, с большим чувством меры декорации, не загромождавшие, как обычно, сцены, удачные костюмы - свидетельствуют о том, что художники внимательно изучили эпоху и умело использовали имеющийся материал». В Алма-Ате он много рисует, пишет, но не выставляется, не публикуется, не продает свои работы.

Центр искусства в настоящее время находится в моей голове , - писал художник.

В 1936-м Сергей Иванович становится членом Союза художников Казахстана. Параллельно с работой в театре Калмыков вел и самостоятельную художественную работу по рисунку, живописи и гравюре. Он принимал участие почти во всех проводимых союзом художественных выставках. В 1946 году оставил работу по состоянию здоровья. В 1952 году возвращается в театр и работает на должности декоратора.

автопортрет

Вот как описал свою первую встречу с художником писатель Юрий Домбровский: «…и тут я увидел художника над мольбертом. Об этом чудаке я уже слышал. Месяц тому назад он подал объяснение в милицию (жаловались соседи) и подписался так: «Гений I ранга Земли и Галактики, декоратор, художник-исполнитель Театра оперы и балета им. Абая СЕРГЕЙ ИВАНОВИЧ КАЛМЫКОВ». <…>

Он был одет тоже не для людей, а для Галактики. На голове его лежал плоский и какой-то стремительный берет, а на худых плечах висел голубой плащ с финтифлюшками, а из-под него сверкало что-то невероятно яркое и отчаянное - красное-желтое-сиреневое. Художник работал. Он бросал на полотно один мазок, другой, третий - все это небрежно, походя, играя, - затем отходил в сторону, резко опускал долу кисть - толпа шарахалась, художник примеривался, приглядывался и вдруг выбрасывал руку - раз! - и на полотно падал черный жирный мазок. Он прилипал где-то внизу, косо, коряво, будто совсем не у места, но потом были еще мазки, и еще несколько ударов и касаний кисти - то есть пятен - желтых, зеленых, синих - и вот уже на полотне из цветного тумана начинало что-то прорезываться, сгущаться, показываться. И появлялся кусок базара: пыль, зной, песок, накаленный до белого звучания, и телега, нагруженная арбузами…».

«Обыватели представляют себе гения, наверное, так. Это величайшие оклады. Популярность. Растущая слава, деньги. Мы же, скромные профессиональные гении, знаем: гений - это изорванные брюки. Это худые носки. Это изношенное пальто», - писал художник.

«Калмыков всеми считался талантливым художником, - рассказывала потом одна из сослуживиц художника. - Это признавалось весьма компетентными людьми, но масса странностей в его поведении не позволяла ему добиться заслуживаемого им положения. Так, он мог нарисовать по заказу великолепнейший эскиз или картину, но затем все замазать и написать что-то несуразное. Например, он мог написать Венеру Милосскую, пририсовать ей руки и вложить в них примус.

Или изобразить на эскизе актера в нелепом, не соответствующем ситуации и замыслу костюме. Всегда в его голове теснилась масса самых разнообразных теорий: то он хотел строить необычные ракеты, то коридор, соединяющий Москву с Алма-Атой. Или работал над диссертацией «Соединительные швы черепа». Уже тогда у него ярко проявлялись идеи величия. Он называл себя космическим гением, гениальным художником и говорил, что все должны целовать ему пятки…

В последние годы ему не поручали самостоятельных работ, он часто делал совершенно нелепые вещи, портил. Многие работы его, между тем, коими завалена вся его квартира, видели московские художники и сочли его лучшим художником города. Он всегда был неряшливым, своей внешностью и одеждой не интересовался. Стал мазать волосы масляной краской, объясняя, что ему необходимо иметь черные волосы для долголетия… У него была своя система питания: то он ел один хлеб (в молодости все время жевал французские булки), но при этом, когда он ходил в гости, то ел все, что давали. Потом он питался преимущественно молоком, сыром и творогом, но без хлеба. Мясо не ел, был вегетарианцем. Говорил, что горячий чай и пища вредны для здоровья, электрический свет - для глаз, поэтому у него нет газа, а вечером он работает при свечах или сидит в темноте.

Бытовая нищета шла за ним по пятам, он знал, что такое недоедание, голод. Год за годом молоко и хлеб составляли его рацион. «Мебель» в его конуре была построена из перевязанных бечевкой пачек старых газет.

Когда ему в Союзе художников подарили пальто, он его распорол, вставил клинья. С тех пор стал ходить в нелепых нарядах, причудливой одежде, которую перешивал из разного старого хлама. Полагал, что творит революцию в мировом моделировании. Считал себя писателем, писал много под вымышленными именами. Женщин он не знал, вел дневники, в которых писал о своих сексуальных переживаниях. Никто не знал, посещал ли он когда-нибудь баню. Спал на полу на газетах. В последнее время никого к себе не впускал, помощи от соседей не принимал».

Важной темой русского космизма была пространственная архитектура, поэтому Сергей Калмыков строит свои Вавилонские башни, уходящие в небо, и проектирует некие обитаемые аппараты для космоса. Иногда в его «космических пасторалях» вдруг появляется лягушка, которая вскоре обязательно должна превратиться в прекрасную Принцессу, и это легко объяснимо, потому что художник, проживший в одиночестве, конечно же, мечтал о подруге, но не о «Венере с примусом», как назвал он один из своих рисунков, а о милой и Прекрасной Даме.

Названия произведений Калмыкова полны вычурности: роман «Последние дни гастролей легендарного Касфикиса, или Апофеоз Сергея Калмыкова», автопортрет «Претендент на абсолютное бессмертие - С. Калмыков», «Необычайные абзацы», cохранились его рукописи, эссе, искусствоведческие сочинения, философские рассуждения и романы: «Голубиная книга», «Зеленая книга», «Фабрика бумов», «Лунный джаз» и другие.

Официальная критика не признавала творчество Калмыкова, оно вызывало «досадное недоумение».

"Мир болен. И нет ничего удивительного в том, что только художники могут привести мир к спасению" . - писал Сергей Калмыков

Однако сейчас его творения висят в музеях Санкт-Петербурга, Москвы, Астаны и Алматы. Хранятся полотна и в частных коллекциях. Некоторые из картин Сергея Калмыкова еще http://bonart.kz/kalmyikov-s.html А один из американских коллекционеров основал Фонд Сергея Калмыкова.

В 1962 году Сергей Калмыков вышел на пенсию и был освобожден от работы в театре. За активное участие в производственной и общественной работе театра Калмыкова неоднократно награждали грамотами Верховного Совета КазССР (в 1940, 1945, 1959 гг.).

В марте 1967 года Калмыков был доставлен каретой скорой помощи в больницу в тяжелом состоянии, где вынесли заключение: «Истощен, речь бессвязная, походка шаткая. Параноидальный бред. Дистрофия». 27 апреля 1967 года Сергей Калмыков скончался. Перед смертью, в больничной палате, он восхищался вкусом горячей пищи. Место его упокоения неизвестно. Справедливо сказать: планета Земля.

По самым грубым подсчетам, Калмыков оставил после себя свыше полутора тысяч работ (рисунки, графика, живопись) и около десяти тысяч страниц рукописей. Сами эти рукописи представляют собою своего рода «самиздат»: сшитые, сброшюрованные и переплетенные книжки, щедро иллюстрированные. Все без исключения тексты исполнены от руки, каждая буква — рисунок, каждая страница заключает в себе законченную композицию.

В материале использованы фотографии из Центрального Государственного Архива РК.

Источники ,